もみじ葉を 風にまかせて見る風景 菱田春草展

菱田春草展
東京国立近代美術館
2014年9月23日～11月3日


 人生を四季にたとえるなら、春はただその存在だけでも美しく輝くが、未熟さゆえにもがき迷える修行の時代。夏は依然失敗などしながらも、その情熱とあふれるエネルギーで突き進み、秋は過ぎ去りし日々を愛しく思いながら、人生の美しさを思いやれる時。そして冬はたくさんの思いを胸に次の時代へとつなぐ仕事をし、春の訪れを思い描く穏やかな時。そうありたいと願い、秋をひしと感じる十月、紅葉の色鮮やかな季節に「生誕140年　菱田春草展」を訪れた。自然の美しさ、季節の移ろいを詩情豊かに描いた日本画を見ることで、現代を生きる我々に、忘れかけた自然へと促してくれる。菱田春草の《四季山水》、《落葉》を体感することは、自分が日本の自然の中で生きる一人であることを気づくことでもあった。描かれた四季の花鳥・風景に、古の和歌を思い浮かべる。

奥山に　紅葉ふみわけ　泣く鹿の　こゑきく時ぞ　秋は悲しき（古今集・よみ人知らず）


 春草が活躍した明治後半期、日本画壇はフェノロサが理論化し、岡倉天心が実践した「新しい日本画」のための革新運動の流れの中にあった。彼はその時代を反映し、西洋諸国に対しても日本画の芸術性を高めていくことを真摯に求め、試作し続けた。したがって、春草は自身が学んだ東京美術学校時代の校長であった天心の理念を体現した重要な芸術家の一人であると言える。生涯の師となる天心は東京美術学校の内紛を経て、日本美術院を創立するが、その時春草は天心に随い、横山大観、下村観山らと運命を共にした。それにより美術学校の教師の職も解かれ、絵筆だけでの極貧の生活を強いられることになる。ストイックなまでに崇高な理念に基づき絵画の新しい境地を探求し続けたが、現実には栄養状態も悪く、腎臓炎を患い、画家の生命線である目の網膜症をも引き起こし、その死を早めたとも言われている。
 次にその実験的とも言われた絵画探求の変遷を展示のテーマごとにたどってみる。第一期の「考えを描く」時期には、東京美術学校の卒業制作となった太平記をモチーフにした《寡婦と孤児》がある。時代は日清戦争終結間もない頃で、戦争の悲惨さを目の当たりにしての反戦の意思表示でもあった。春草は、狩野派とその基をなす、雪舟を中心とする室町水墨画の影響を受け、終生雪舟に私淑した。また古名画の複写なども行い、狩野派の最後の巨匠、橋本雅邦の試みた合理空間の処理や洋画の画面構成の示唆なども学んでいる。さらに円山派、大和絵とさまざまに吸収する中で描いた《枯華微笑》、《水鏡》などは、構図・モチーフを宋・元など中国画から取り、日本画の特性であった線描を重視しながら描いている。第二期は「朦朧体」と呼ばれた時期である。天心や大観とともに移り住んだ五浦での生活の中で、空気や光線を描き、独自の遠近感を出し、日本画特有の線描を否定した。その代表となった《寒林》は朦朧体の画期的な作品で、テーマは山水画だが、西洋画の遠近法を取り入れ、墨の濃淡だけで対象の立体化に成功している。天心は《釣帰》、《暮色》は詩のような味わいがあると評価している。しかし、この時期の新しい試みは、従来の日本画画壇から酷評され、「朦朧体」と揶揄されたのだった。次の第三のステージは色彩研究の時期。インドへ半年、アメリカからヨーロッパへ一年半と旅をすることで作風が大きく変化している。当時の西洋画における自然派の影響を受けての点描技法が見える《賢首菩薩》や補色の配置や筆触の強調で大胆に描かれた《春丘》、《夕の森》。この旅のあとに大観との共著『絵画について』の中で春草は「色は直感に訴えるもの。絵画は色彩にある」と述べている。西洋の顔料も積極的に取り入れるなどして作られた新たな日本画の誕生であった。そして最後が春草の代表作と言われる《落葉》、《黒き猫》を生む晩年期。《落葉》シリーズは江戸琳派の影響を受け金地で平面性を主張し、それに負けない構成の大胆さとなっている。《落葉》のクヌギの葉のように虫食いまで忠実に描く写実性、構成の大胆さに見られる装飾性が印象的で、春草のたどり着いた新しい境地であった。また、この時期の病気との闘い、失明の恐怖の中で表わされた静かな自然は、彼の心象風景と言える。

もみぢ葉を　風にまかせて　見るよりも　はかなきものは　命なりけり（古今集・大江千里）

 あまりにも早い冷静な天才画家の死を、天心は次のように述べている。
「彼は仏画抔も写して大分古画の研究も積み近ごろ漸く自分の境地に入った処だったのに惜しいことをした。境涯に入った丈けだから勿論未だ成熟はして居ない」と。その不熟とは、「今日成熟する人は心細い。大体の問題が未だ成熟してはならぬ様に出来て居るからである」で、絶えず知的探求を止まなかった春草の魂への最高の追悼とも言える。たしかに、《落葉》は秋の深まりを描き、人生のもっとも充実した美しさを謳歌するようで、それは晩年にふさわしいのかもしれないが、四季を描いた春草には冬というさらに精神性を高めた境地を表わしてほしかった。少年の面影を残し36歳で逝った革新の画家にオマージュを贈りながら、未完成であった「美人画」の域を発展させていっただろうかと想像を膨らませる。春草は東洋の中で生まれた日本画を、古代からの霊性を伴う精神性から育まれた日本人の感性で表現し、それを世界へ伝えようとした。その理念は天心の『茶の本』に表されているような当時の西欧化一辺倒への危惧からの、日本人としての誇り、清貧を貴しとするまでの崇高な精神性の主張だろうか。春草は絵画で師の理念を突き進み、模索し続けた。彼の新しい日本画への挑戦は大観はもちろん、その後新しい日本画の境地を開いた平山郁夫など多くの画家たちに確実につながるものがあった。
 会場から東京駅へと皇居のお堀沿いを歩くと風の冷たさが心地よく、春草の絵の残像が、秋の深まりを一層愛おしく思わせてくれた。

egg:三島　郁子

質感の動きを求めて～ジャン・フォートリエ回顧展

ジャン・フォートリエ展

2014年7月20日～9月15日

　豊田市美術館

　　 

　時代とともに変遷し、たどり着いたフォートリエの抽象画はジャズに重なる。

豊田市美術館で没後日本初の「ジャン・フォートリエ」の回顧展が開かれている。代表作と言われる「人質」連作を始め、彫刻・版画を含む９０点に及ぶ作品を時系列で見ることができる。１８９８年生まれのフォートリエは幼少期、アイルランド人の祖母にフランスで育てられ、その後ロンドンの母の元へ行き、のちにアカデミーで学んだ。初期作品は当時のレアリスムの影響を受けた肖像画が並ぶ。緻密な描写だが、そのどれもが人間の内面まで見抜いたような表情。暗い色調も、悲しげで苦悩に満ちた表情を増幅させる。彼の身近な人物を描いているとされるが、それらは実在する人物というより彼の心に映った人々である。

フォートリエの作品はその厚塗りの絵の具の物質感によってイメージを固定するかのような抽象絵画へ変化していく。油彩、紙、顔料などさまざまな材料で質感を求め、ブロンズによる造形にも挑戦した。一連の「人質」作品はゲシュタポに捕えられた人間の極限の姿を質感に投影し、人類の暴力を留めようとしている。

「人質」の連作から一転、戦後描かれるのは明るい色調、平穏を取り戻して《コーヒー挽き》《糸巻き》《鍵》《籠》と生活感のある対象に変わり、《こちょこちょ》《ふとっちょ》と可愛らしいタイトルまである。続く《オール・アローン》はフォートリエのお気に入りのジャズピアニスト、マル・ウォルドロンの曲名から。制作時は絶対的静寂を求め、誰も立ち入らせず、音楽・書籍・風景などの記憶に基づき、絵画に向き合ったという。

戦後、フランスのアンフォルメルの源流と評された彼は、抽象画について「具象に足りない部分がある」から「事物を分析して新たな形象を生み出したかった」と語り、それは「自由に表現することが許されている」ものだという。彼にとっての抽象画は、イメージの質感を動きそのものに託す、すなわち自由に塗り重ねる筆致として表現する自由な精神であり、それはまさにジャズと重なり合う。

スタン・ゲッツ、ジョアン・ジルベルトの（１９６４年録音）ジャケットはオルガ・アルビズの抽象画だ。戦後に描かれたフォートリエの《無題（四辺画）》《草》などはオスカー・ピーターソン、ジョン・コルトレーンのレコードジャケットにと想像してみる。時代は人種差別や戦争などさまざまな闇を抱えていたが、その中に一筋の光を見出し、打開しようとする精神がある。だが、あくまでも軽くスィングしてかわすようなスタイリッシュな手法だ。晩年のフォートリエも聴いただろうかと思い巡らした。

　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　egg：三島郁子

華氏４５１の芸術：世界の中心には忘却の海がある ～ヨコトリと、その周辺で

＜ヨコハマトリエンナーレ2014＞

2014年8月1日～11月3日

横浜美術館＋新港ピア他

＜あいち国際女性映画祭2014＞

生きものの記録（黒澤明）/　1955年

　2014年9月5日

　ウィルあいち・ウィルホール

＜ベン・シャーンとジョルジュ・ルオー＞

2014年7月5日～9月15日

神奈川県立近代美術館鎌倉別館

2011年を経た現在の日本人が忘れたもの、それを思い出させるのは芸術の力だけなのかもしれない。政治、経済を取り巻くグローバル化のうねりは、正義とは、人間とはという哲学を我々から忘れさせている。大国の論理、武装した国の圧力、宗教を取り込んだ殺戮を目の当たりにする今、何かが地球に生きる者に静かに迫りつつある。我々にもう一度立ち止まり、その何かを考えさせてくれる、アートの体験には確かな力があった。

ヨコハマトリエンナーレのテーマにある「華氏４５１」は1953年のレイ・ブラッドベリ作SF小説、のちにトリュフォー監督によって映画化もされた。時代は近未来、時の治世者は民衆の思考停止を図るべく、世の中から書物を焼き捨てようというのだ。人間の大切な、長い歴史における知の結晶が彼らの都合で葬られ、抵抗する者は容赦なく抹殺される。

　地震国での原発の危険を知りながら、廃棄物の処理方法も見いだせないまま、再稼働を決定する。他国に原発や武器を輸出する。二度の原子爆弾の脅威を知り、平和憲法、言論の自由を戦後民主主義は拠り所としてきたはずなのに、議論も熟さないまま法律が変えられる。そして今、日本人は2011年に経験した感覚も忘れ去ろうとしているのか。今だけを生き延びるではあまりにも無責任すぎる。自分たちの国の権益だけを主張していては、いずれ人類は滅びる。目に見えない大切なものや小さな声が追いやられていく。

フランスのルイ15世の公妾で、贅の限りを尽くしたと言われるポンパドゥール夫人が述べた、「我の亡き後に、洪水よ来い」。これは新港ピア会場に展示されていた、メッセージである。

新港ピア会場（chapter11 忘却の海に漂う）に入ってすぐに写真家土田ヒロミの「ヒロシマ」をめぐる3つのシリーズがある。なかでも長田新の編著書『原爆の子』（1951）に被爆体験記を寄せた子どもたちのその後を追った《ヒロシマ1945－1979/2005》はそのテキストと写真で、過去と現在を同一画面上に構成したものだ。なかには「撮影拒否」と書かれたものや後ろ姿を撮ったものもあり、当時の彼らの心情を正確に映し出している。過去を心の奥底にしまい込み、父、母として、夫、妻として、ごく普通の一人として生きて働く、それぞれの生活者の歴史を見る。時の流れの中で風化しようとしている記憶を土田の写真は私達の心にピン止めするかのようだ。

神奈川県立近代美術館鎌倉別館で「ベン・シャーンとジョルジュ・ルオー展」が開催されている。震災の年から翌年にかけても「ベン・シャーン展」が福島、名古屋などで開催され、「第五福竜丸」を主題とする《ラッキードラゴン》などに彼のジャーナリズムの神髄を見た。彼の平らかな目は、常に弱者を映すことで人間の尊厳を強く訴える。

さらに今月、あいち国際女性映画祭2014で黒澤の1955年作《生きものの記録》が上映された。黒澤の映画の中ではあまり知られていないが、奇しくもアメリカの水爆実験直後に同じ「第五福竜丸」を主題として映像化した作品だ。ストーリーは主人公が（35歳の三船敏郎が70歳の老人役を演じている）当時日本にも害が及ぶと言われた水爆から逃れるために自分の一族郎党を引き連れてブラジルへ移民しようとするものだ。財力に物を言わせ、自分たちだけが助かる道を探る、これもまた人間のなせる業。だが、誰からもその考えを理解されず、精神を病んでいく。黒澤の生の人間の描き方はモノクロ映像を通すことで、より強く現在の我々に迫る。

　ヨコハマトリエンナーレ、ベン・シャーン、黒澤と、私たちが忘れてはいけないもの、そして考えを停止させられ、行動を阻止させられようとしていることをアートの力によって投げかけている。受け取るか、忘却するかは観る者の感性に任されている。

　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　egg：三島郁子

あいちトリエンナーレの作品解説に挑戦！：ミハエル・カリキス＆ウリエル・オルロー《Ｓｏｕｎｄｓ ｆｒｏｍ Ｂｅｎｅａｒｔｈ》

ミハエル・カリキス＆ウリエル・オルロー《Ｓｏｕｎｄｓ　ｆｒｏｍ　Ｂｅｎｅａｔｈ》
あいちトリエンナーレ2013
2013年8月10日(土) ～ 10月27日(日)
納屋橋会場


　手や顔に刻まれた深い皺と白髪を蓄えた黒服の老人たちの映像。彼らが立っているのは、かつて労働者として過ごした、炭鉱跡地である。今では荒涼とした、無機質な場所から遠い過去を甦えらせるのは彼らの声である。低いがしっかりした男達の声は当時の炭鉱のサイレン、機械音、水の音、爆発、蒸気などを表現し、映像のなかで響きあう。また、アイルランド民謡を思わせるハミング、遠い日を追悼するような祈りに満ちた声。それらは長い年月を自らの肉体によって戦い抜いた栄光の者だけが紡ぎだすことのできる魂の叫びなのかもしれない。
　カリキスは1975年テッサロニキ（ギリシャ）生まれ。建築を学んだ後、音、映像、写真、パフォーマンスなどを使った横断的な表現を展開している。オルローは1973年チューリッヒ（スイス）生まれ。マルチメディアのインスタレ－ションやサウンドの研究を行なっている。今作品の制作は「記憶と歴史のランドスケープ」に興味を持ったオルローがカリキスと共同して実現した。

egg：三島郁子

あいちトリエンナーレの作品解説に挑戦！：アンジェリカ・メシティ《Ｃｉｔｉｚｅｎｓ Ｂａｎｄ》

アンジェリカ・メシティ《Ｃｉｔｉｚｅｎｓ　Ｂａｎｄ》
あいちトリエンナーレ2013
2013年8月10日(土) ～ 10月27日(日)
納屋橋会場


　四角い部屋の中の真ん中にいすがおかれ、そこに座ると四面のスクリーンにそれぞれ映像が映っている。まず都市の電車の中、キーボードを肩に一人の青年が奏で、自ら歌う。その声はたくましく、身体の中から湧き上がる素直な声である。またその歌の持つ情感からは哀切さえ伝わってくる。周りの乗客は明らかに耳にしているのだが、誰も気付かないように、彼の前を過ぎて行く。
　次の面は、都会の片隅、聴衆がいるのかどうかわからない場所で、一人パフォーマンスする青年。馬頭琴を奏でながらその音にうながされるように繰り出すホ―ミー。その独特の音質、まるでモンゴル草原の大地のうねりだ。広大な故郷を思い歌う声は哀調を帯びている
　次のスクリーンはタクシーの中のドライバーを映し出す。彼の口笛はどの楽器にも劣らない、研ぎ澄まされた人間の技だ。彼の奏でる音もまた故郷を追慕するようだ。
　最後は紅一点、若い女性パーカッショニストのプールの中でのパフォーマンスだ。美しい肉体を持つ水着姿の女性が自らの手で水面を叩き、作り出す力強い音。水しぶきと巧みに繰り出される複雑な水音の競演だ。最後は4人の演奏を合わせた、迫力の音で終わる。
　故郷を遠く離れた者たちの都会での孤独、自らのアイデンティティへの確かな思いが微妙に混ざり合い、ひとつのシンフォニーになる。鮮烈な映像と人の作り出す音によって現代社会を切り取っているのだろう。

egg：三島郁子

フランシス・ベーコン展―目撃せよ。体感せよ。記憶せよ。

フランシス・ベーコン展－目撃せよ。体感せよ。記憶せよ。
2013年6月8日～9月1日
豊田市美術館


　今回の展示のテーマは「身体をめぐる表現」。第一の会場＜移りゆく身体＞は、初期作品群の≪人物像習作≫（1945～1946）から始まる空間。全体が薄暗い照明を落とした中に、唯一鮮やかなオレンジの背景が浮き上がる。90度前かがみになった腰にツィードコートを掛け、頭の上にこうもり傘がのせてある人物。男性なのか女性なのか、首が不自然に曲がりこちらを向いて大きな口を開けている顔はとても人間とは思えない。何かの動物が吠えているかのよう。続いて、心霊現象を描いたと思えるどこまでも暗い色彩の作品が並ぶ。
　≪肖像のための習作≫（1949年）も、ダークな背景の中にスーツを着た男の慟哭。白い檻のような、枠の中で座り叫んでいる。その他にも暗いトーンの背景に人物ないしは動物を描いた作品が多い。白い枠や線はこの世とあの世を分かつ標なのか。20世紀を走り抜けた画家、ベーコンはこれらの作品より以前（第二次大戦前）のものは自ら廃棄したのだという。彼は1909年、アイルランドのダブリンで生まれ、ロンドンを拠点として創作活動を行なった。アイルランドの独立戦争、二度の世界大戦を見てきた当時の彼の心には、徹底的に見る者に陰鬱さを与えるほど、孤独な「死の世界」があったのか。
　フランスの文学史家テーヌは「芸術の成立には、民族･環境･時代の三つの要素がある」と主張しているが、その三つのどれもがベーコンの紡ぎだす絵画に大きく反映されているようだ。彼の創作の基になったものを考えることで、ベーコン作品の一端を捉えてみたい。
　まず、彼自身が語っているように、彼の絵は創作活動に於いてきわめて意識的である。では、彼の言う、意識的とは何だろう。20世紀のイギリスに影響していた思想、ダーウィンの進化論、また、サルトルなどの実存主義哲学なども彼の絵画には投影されている。また、世界情勢はパワーとパワーのぶつかり合うリアリズムの只中にあった。凄惨な戦争も目の当たりにしてきた世代である。これらが「生と死」をイメージする孤独感、悪夢のような表現描写、さらには数々の男性の恋人たちとの遍歴により生み出された作品にも影を落としているのか。このような思想的な形成の他に、より直接的には様々な画家たちの影響も小さくない。たとえば教皇シリーズを生んだ、ベラスケス。穏やかな色彩、厚塗りのタッチの大作≪ファン･ゴッホの肖像のための習作≫を生み出した、ゴッホ。ベーコンは｢ゴッホは俺にとって常に誰よりも重大な存在だ｣と語ってもいる。また、身体表現の影響が大きいと言われる、ドガ。さらに同時代を生きた、ピカソなど。描く対象、構図、作法と多様な角度で作品に現れている。加えて、20世紀はテクノロジーの進歩の時代でもあり、映像技術、連続写真、Ｘ線写真、スポーツ写真なども彼の作品に投入されている。これらが彼の創作活動を重層的に支配していたことは明らかであろう。このように、ベーコンは思想的にも技巧的にもさまざまな要素を彼の言う「意識的」に取り入れて表現していたと考えられる。
　一方、意識的な試みと相反するが、彼には自身でも操作できなかったものがあったようだ。ベーコンは読書にも様々な影響を受けているが、その中でもプルーストが彼にもたらしたものは大きかったと言われている。プルーストは20世紀フランス文学の最高傑作、『失われた時を求めて』の中で、人間の内面の意識の流れを描いているが、「作者の自我というものは日常的な自我と同じものでなく、作品を書かしめるのは、深い自我、ほとんど神秘的でさえある隠された自我」と言い、作者の日常的な意識や理性的な計算の範囲を表現が超えることを述べている。また、彼はベーコンの幼少期と同じ持病の喘息の悪化により、ほぼ引きこもりの状態でこの大作を完成させた。これはベーコンが共感を持てた大きな理由のひとつであったであろう。こう見てくるとはからずもベーコンの表現は、このプルーストと共通した境地で無意識のうちに創作されたとも考えられる。実際、ベーコンの作品の中でも最高と評されるものは、どれも予想していなかったもの、「直観」がうまく働いているもの、いわば、無意識のうちに表れたものと言えるようだ。意識的な創作とその先にある、自我を超えて到達する無意識ということか。
　このように、ベーコンはその時代により作風も著しく変化しているが、自らの体験、読書を通しての意識の形成、様々な画家（絵画）から触発されたものを極めて戦略的に計算し、構成した意識的表現だと言える。また、その創作の中で、自己の意識を超えたある域での「無意識な、偶然」のもたらしたものが見る者をひきつける。彼の言う「意識的」を基に、ベーコンは様々な構図やモチーフを試作し続けることで「人間」を捉えることに挑んでいた。それが彼の「身体を通しての表現」なのか、時には暴力的に時には退廃的に時代を描き、見るものに今も熱く問い続けている

egg：三島郁子

黒田辰秋･田中信行｜漆という力（豊田市美術館 企画展:2013）

黒田辰秋・田中信行-「漆という力」
2013年1月12日[土]-4月7日[日]
豊田市美術館


　会場にはいると黒田の作品《赤漆捻蓋物》が目に入る。漆の華やかな赤、柔らかな曲線、そしてぽってりとした質感。漆という素材が自然のものだからなのか、木のぬくもりだからなのか、不思議なやさしさに包まれる。一つ一つが存在感豊かな工芸作品だ。黒田が生涯で影響を受けたと言われるのが陶芸家･河井寛次郎と宗教思想家・柳宗悦である。黒田の作品には二人の影響がはっきり感じ取れる。河井寛次郎からは斬新で荒々しい力強さ、柳宗悦からは数々の木工品の家具を受け継いでいる。家具は広い空間の中を圧倒するほどのスケールのものもある。実際に柳宗悦旧蔵の朝鮮木工の家具と黒田がそれを参照しながら独自の美を追求し作り上げた作品とを比べて見る。朝鮮家具の持つ荒さの中の手作り感や温かさを残しながら、さらに高い技巧性を追求した「磨かれた美」を感じさせる。作品の近くの壁に柳宗悦の原稿が掛かっている。「用美相即－美が用をして益々活かしめ、用が日に日にその美を冴えしめる」（「工藝の道」1927）という「正しい工藝」を黒田は追究したのだろうか。
　一方、現代の漆芸術作家、田中信行の作品は、「皮膚の造形」である。それは乾漆の技法で麻布や発泡スチロールに漆を塗り重ねた、まさに漆そのものによる造形だ。特に小さな展示空間の中に置かれた《触生の記憶》シリーズは漆のとろりとした質感をなまめかしい形状に作り上げている。人間の体のどこか、あるいは細胞か、暗い空間の中に漂う紅の漆は自己内対話へとかき立ててくれる。また、流れるような艶やかな曲線のフォルムはそこから宇宙へと広がる、近未来的な創造物である。田中は作品について「彫刻でも工芸でもなく、人間としての行為、神と自然の間のもの、祈りの気持ち」と語る。また、「触覚の欲求に喚起させられ、肌をなで、磨くという繊細な作業を重ねる。その質感だけを求めている」とも言う。確かに田中の作品を通して感じた漆の質感は、人間の温もり、営みをも想像させてくれる新たな体験であった。
　黒田と田中、時空を超え対極にあるもののようだが、見終わってどちらからも人間のたくましさを感じさせてくれた。まさに漆のパワーであった。

egg：三島郁子

プロフィール： 三島郁子

三島郁子（九州産）

記憶の中の最も古い美術展は
福岡で見たセザンヌ展(どんな昔？なの)。
アート、音楽、映画、文学etc.を通し、
目指すは“囚われのない心”・・・そのために
感性を、言葉を磨きたいと修行中！（筋トレ？）